Détournement numérique
Lorsque l’on observe les peintures de Yannick Lambelet, on navigue entre le monde numérique et la réalité. Ayant grandi avec les jeux vidéo, l’artiste se considère comme un digital native. Ces jeux vidéo occupent d’ailleurs une place prédominante dans la série Kioku, qui signifie mémoire ou souvenir en japonais. Présentées à l’exposition Rock me Baby consacrée aux machines à écrire Hermès au CACY, ces toiles s’inspirent du jeu Resident Evil. Dans ce dernier, le joueur évolue dans une ambiance apocalyptique peuplée de zombies, et doit inscrire ses actions sur une machine à écrire, avec l’aide de rouleaux d’encrage récoltés durant le fil de sa progression dans le jeu. Dans une deuxième lecture, on peut entrevoir des éléments personnels. Ainsi, on découvre des lieux propres à l’enfance de l’artiste à Yverdon, un clin d’œil supplémentaire aux machines Hermès Baby, dont la fabrique se situait également dans cette ville. L’artiste avoue ne jamais s’être servi d’une machine à écrire de manière analogique, la seule expérience qu’il connaît avec cet objet est liée à Resident Evil. Dans Kioku, Yannick Lambelet incorpore également dans la narration des membres de sa famille, parfois transformés en zombies, ce qui n’est pas sans ironie, puisqu’ils appartiennent à la communauté des Témoins de Jéhovah, dont l’une des préoccupations principales est d’atteindre la vie éternelle par la vertu.

Okāsan, 2020

The future is undetectable, 2021

White Gauze de Robert Mapplethorpe, 1984

Héritage warholien
Dans Hey Sweetheart et Love me baby, l’influence d’Andy Warhol se profile de manière plus évidente. La répétition de banane tel un motif rappelle inévitablement les sérigraphies telles que Campbell’s Soup Cans (1962) et Banana (1966) étroitement liées à notre société de consommation. Aujourd’hui, on passe d’une surabondance alimentaire à une une surconsommation d’images. On notera tout de même un enclin commun à insérer une pointe d’humour dans l’œuvre chez les deux artistes, si l’on pense à Love me baby (2016-2017), et son contraste de vigueur créé par la banane symbolisant l’érection et un mort-vivant en premier plan.

Love me baby #3, 2017

Shibari Kawaï
Revendicatives, mais pas seulement, les oeuvres de l’artiste apportent de la douceur et de l’innocence à ce que l’on pourrait considérer comme cru ou osé. C’est le cas avec la série Cinnamon sky où les protagonistes, souvent issus de l’univers de la pornographie sont confrontés à des personnages de dessins animés ou des figures nippones kawaïs. Dans #ariel (boy) et #ariel (girl), la petite sirène de Walt Disney découvre son pied pour la première fois. Derrière, une image fétichiste peinte de manière académique crée un contraste avec le sentiment presque infantile d’Ariel lié à la découverte de son nouveau corps. Y avait-il un côté fétichiste dans le dessin animé? Ici, l’artiste nous interroge sur notre rapport à la sexualité et sur nos limites. En fin de compte, est-ce que le fétichisme est si terrible que ça?
L’artiste a choisi d’appeler toute cette série de peintures Cinnamon sky, en référence au blockbuster Vanilla Sky. Est-ce pour illustrer la rupture avec nos fantasmes et le monde réel, comme au milieu du film, où Tom Cruise découvre qu’il a signé un contrat pour être immergé en permanence dans un rêve éveillé, suite à un accident l’ayant défiguré? L’artiste a, qui plus est, beaucoup aimé le moment où le personnage de David Aames se retrouve subitement plongé dans la réalité. Un contraste cinématographique à l’image des deux types de traitements alternés par l’artiste dans ses toiles.

Cinnamon sky #ariel (girl), 2019

End of the day, 2019, avec la Drag Queen Aquaria

Sasha Velour (peinture murale) et Okasan, 2020.

Bonne baise d’été, 2022

Cinnamon sky #sailormoon, 2015

Hey Sweetheart #2, 2017