Identité égratignée
Loins de leur fonction initiale du 18ème siècle, les portraits de l’exposition Revival tentent de nous livrer une autre vision de certaines figures historiques. Dans Thomas Graham, Baron Lynedoch, after David Allan (2022) de Jake Wood-Evans, le visage du baron Thomas Graham, à la réputation de gentleman, est effacé, le rendant ainsi fantomatique. Il va de même pour Portrait of a Lieutenant General after William Beechey (2022), dont l’identité s’évapore sous les coups de pinceaux. Ces deux hommes de guerre, respectivement soldat pour le premier et gradé pour le suivant, perdent ainsi leur statut de héros. Le fait d’avoir réalisé ces deux peintures en 2022 n’est pas anodin, car elles nous renvoient directement aux figures des chefs de guerre de notre époque, dont le culte de la personnalité et la sur-médiatisation nous remémorent des temps que l’on imaginait révolus. Y a-t-il une mise en garde dans les toiles de l’artiste? Le temps y répondra. Il semble tout de même que certains faits de guerre restent immuables. Les héros d’aujourd’hui ne seront-ils pas les bourreaux de demain?

Esclavagisme ornementalisé
A l’heure des déboulonnages de statues, on se questionne plus que jamais sur le passé trouble de certains de nos ancêtres. Bien que la traite d’êtres humains est fort heureusement plus au goût du jour, nous essayons tant bien que mal d’appréhender les zones sombres de notre histoire sans offenser autrui, ni effacer des événements que l’on aurait parfois envie d’oublier. L’artiste colombien Gonzalo Fuenmayor le dénonce très bien dans ses dessins au fusain. Dans Collapse (2022), le lustre en cristal symbole de pouvoir et de richesse s’effondre dans un champ de bananes. Chez l’artiste, la plantation bananière se retrouve fréquemment confrontée à des décors fastueux, reflets des bénéfices engendrés grâce à l’exploitation de ce fruit prolifique. L’œuvre Collapse rappelle également le rêve américain dont la désillusion de milliers d’immigrés chaque année ne pouvait pas être mieux illustrée que par la chute d’un lustre. On ressent une forte tension liée à la lutte des classes et aux vestiges de l’esclavagisme dans le travail de Gonzalo Fuenmayor, un thème malheureusement toujours d’actualité.

Il n’y a pas besoin de partir bien loin pour être confronté aux travaux forcés. Parfois même, ils se retrouvent dans des secteurs insoupçonnés. C’est le cas avec les représentations des porcelaines magnifiquement peintes à l’huile par Robert Russell. A première vue, rien à signaler. La perfection des céramiques issues de la manufacture d’Allach, fondée par Henrich Himmler, ici sublimées, semblent si délicates. Cela fait froid dans le dos, surtout lorsque l’on sait que cette usine a déménagé de la banlieue de Munich pour s’établir dans le camp d’extermination de Dachau.

Gonzalo Fuenmayor, Collapse, 2022

Ewa Juszkiewicz, Untitled, 2020

Détournement de couleur
Lorsque les scènes de vie des nobles d’antan deviennent ridicules, l’artiste irlandaise Genieve Figgis n’est pas loin. Navigant entre figuration et abstraction, l’artiste joue avec la culture du luxe et tourne en dérision la classe supérieur dépeinte par Fragonard, Manet ou Goya pour n’en citer que quelques uns. Dans Music in the Park (2018), c’est Le concert champêtre (1743) de Nicolas Lancret qui est détourné. En parlant de Jean-Honoré Fragonard, on notera que, comme Jesse Mockrin, Genieve Figgis a détourné The Swing (1767), comme quoi, les maîtres du rococo ne cessent d’inspirer les artistes contemporains. Quand le détournement devient poétique, c’est Flora Yukhnovich qui s’y colle. L’artiste londonienne recompose les œuvres classiques de manière abstraite. De l’original, elle ne garde que la composition et les couleurs, s’appropriant ainsi la toile de façon contemporaine. De ce procédé en résulte un ressenti, comme si elle avait réussi à capturer l’âme du tableau.

Genevieve Figgis, Music in the Park (2018)
Photo: © Annik Wetter

Cachez-moi ce dessin que je ne saurais voir
Dans une société de plus en plus divisée en matière de corps et de sexualité, il était essentiel de se pencher sur ces thèmes. Chez Sanam Khatibi, le paysage classique prend un virage à 360 degrés. Ici, les corps nus de deux jeunes femmes, dépouillés de tout artifice, dépècent un lapin dans un paysage bucolique. Cette toile monumentale entièrement réalisée à la peinture à l’huile laisse apparaître des zones vierges de toute intervention picturale. Seul le crayon esquisse la chevelure, les poils pubiens et les tétons des deux protagonistes: un geste fort, si l’on se réfère à l’actualité. Peu importe où l’on se trouve, le corps de la femme reste malheureusement toujours tabou.

Sara Anstis, Plums, 2020

Emily Marie Miller Coan, Burnout (2022)

Le viol, la mort de l’âme
A l’ère post MeToo, il était primordial de traiter d’un problème de société aussi dévastateur que le viol. Giuliano Macca l’a représenté avec beaucoup de pudeur dans Escape (2022), une reprise contemporaine de L’enlèvement de Déjanire par le centaure Nessus (1755) de Louis-Jean-François Lagrenée. En peignant Escape, l’artiste italien met le doigt sur la problématique de la domination du corps de la femme, si souvent meurtri. Il n’y a pas besoin de remonter le temps pour constater cette tendance, si l’on examine les statistiques actuelles. En France, moins de 2% des affaires de viols aboutissent à une condamnation en cour d’assises et en Suisse une femme sur cinq a déjà subi des violences sexuelles. Parfois ce crime odieux, accentué par l’aberration de la non condamnation des coupables, pousse certaines victimes au suicide. Dans Weep Into My Eyes (2019) Jesse Mockrin se re-approprie deux toiles représentant le suicide de Lucrèce: Le suicide de Lucrèce (1614) de Guido Reni et Lucrèce (1580-83) de Paul Véronèse. Dans cette toile, l’artiste illustre le poids qui pèse malheureusement toujours sur les victimes. Après avoir été violée, Lucrèce met fin à ses jour pour préserver l’honneur de sa famille. Parfois, la mort est une libération.

Guiliano Macca, Escape (2022)

Manifestation du vivants
S’il y a bien des sujets qui continuent à fasciner les artistes, ce sont bien la science et les astres. Le fribourgeois Sébastien Mettraux (NDLR: Lire aussi Imagerie du vivant) retranscrit visuellement des fragments de code binaire de manière poétique. Comme une prolongation de la série In Silico, les fameuses structures végétales et organiques générées par un logiciel d’image de synthèse, la série Ex-Codice semble s’intéresser encore de plus près au code. Ce dernier prend vie et se propage dans l’espace en suivant les propositions des figures fractales. L’apparence organique des compositions de l’artiste nous rappelle que le monde est régi par ce concept mathématique constituant les structures végétales et animales, permettant notamment de comprendre les calculs des phénomènes aléatoires. Telle une imagerie du vivant, les méandres des séries In Silico et Ex-Codice illustrent l’essence même de notre univers. Les peintures de Sébastien Mettraux appréhendent l’existence de l’être en le confrontant à sa vérité mathématique.

Dans Stagnum Vitae (2022), Carine Bovey nous plonge au fond d’un étang dont la végétation s’apparente plus à notre anatomie. A l’image de l’hypothèse de biophilie, l’artiste met en avant les similitudes qui subsistent entre notre anatomie et le végétal, mais aussi notre affinité instinctive pour la vie nous unissant avec toutes entités vivantes. Pour cette toile, le format rond s’imposait. Telle une boîte de petri surdimensionnée, les algues deviennent hélices d’ADN, les blastocystes naviguent entre les tiges de nénuphars, les cellules souches prennent l’apparence de bulles et les boutons de lotus deviennent embryons. Comme les origines de la vie viennent de l’eau, cet étang pourrait symboliser à la fois notre planète, au début de son existence, mais aussi le liquide amniotique dans lequel nous prenons vie. Avec ses changements bénéfiques s’organisant dans notre société, nous assistons à l’aube des années 2020 à une nouvelle renaissance. Stagnum Vitae augure le début d’une nouvelle ère.

Sébastien Mettraux, Sans titre (Ex Codice #10), 2022

Aglaé Bassens, Parisian Ceiling (2020)

Photo: © Annik Wetter