Au-delà des apparences

Hybridations formelles

Avec ses sculptures inspirées de l’anatomie humaine et de la nature, Vanessa Safavi, brouille les pistes. Dans une hybridation formelle entre les règnes, une forme rappelant des seins revient de manière récurrente. Le bronze patiné d’argent et de nickel de l’œuvre Dans sa coquille, présenté en 2025 au Swiss Art Award, intègre à la fois le minéral et l’animal en une entité. L’ajout de coquillages implique une notion d’accompagnement, car les coquilles des escargots marins ou terrestres accompagnent ces derniers tout au long de leur existence en s’adaptant à la croissance de leur morphologie. La coquille est à la fois refuge et armure, de même que la poitrine, pouvant incarner à la fois une féminité très affirmée tout comme une intimité qu’il est nécessaire de protéger. De manière ambivalente, la puissance et la vulnérabilité émanent de cette œuvre, traduisant avec brio les réflexions de Vanessa Safavi sur la place de la femme dans notre société, un thème qui se retrouve dans de nombreuses œuvres telles que Ex-Wife Diaries (2021), ou encore The Vacuum (2023). Chez Maryam Khosrovani, le câble devient mémoire, qu’il soit au service de notre espace numérique, ou qu’il évoque nos neurones et notre système veineux. Si l’on observe avec attention Extension of a collapsing landscape, intubated futures (2025), il y a un contraste saisissant entre la régularité géométrique de ce tuyau esquissé au graphite dont l’intérieur est brodé de fils rouges. Ces derniers, qui rendent hommage à l’artisanat iranien, pourraient aussi évoquer l’hémoglobine. Ce qui est aussi intéressant de souligner, c’est que dans ses dessins, l’artiste peut aussi évoquer le lien plus que jamais renforcé entre la machine et notre corps. Une partie de notre mémoire est stockée sur des data centers reliés par des câbles et satellites, par le biais des transmissions que nous exécutons avec nos téléphones portables. Parfois, le câble peut être considéré comme une sorte de prolongement de notre corps.

Iconographie nouvelle

Avec ses peintures aux tons doux, l’artiste israélien Amit Berman interprète l’intimité et le vivre ensemble avec beaucoup de tendresse. Dans des décors aux références discrètes à l’histoire de l’art, l’artiste se met en scène, de même que son futur mari ou encore des proches, dans des scènes du quotidien. Ainsi, on découvre dans Sometimes I sink a stone that still manges to drift (2022), un jeune homme assoupi sur le ventre devant une fenêtre s’ouvrant sur un édifice imposant de Florence. Le fait d’avoir disposé le corps du protagoniste en-dessous de ces dômes évoque comme une appréhension d’être submergé par le poids du passé, mais aussi une certaine solitude. Avec cette scène intime, où le protagoniste se retrouve dans une posture vulnérable, Amit Berman s’éloigne des stéréotypes encore très ancrés dans l’imaginaire collectif sur les relations entre hommes. Tout comme Pierre Dumaire, on se trouve dans une iconographie qui évoque des sujets de manière non frontale. Cette imagerie empruntée à une esthétique de la mémoire, on la retrouve dans le travail de Norbert Bisky, qui s’inspire du réalisme social allemand. Dans l’œuvre Doze (2024), le visage du jeune homme semble osciller entre lâcher-prise et tensions provoquées par le monde qui l’entoure.

A travers leurs expériences qui ont façonné leur identité, les artistes s’expriment chacun à leur manière à travers différentes techniques et médiums qui portent leur travail. Avec cette sélection d’œuvres, Antoine Bony a voulu montrer la richesse et la manière subtile dont les artistes appréhendent et s’approprient ce qui les entoure afin de restituer une vision personnelle narrant leur histoire.

Beyond the Surface, à découvrir jusqu’au 7 mars à la galerie Fabienne Levy de Genève.